Imanes del diseño
Suenan ecos de los 60, un primerizo grupo formado en Liverpool bajo el nombre de “The Beatles” pronto dará a conocer una de las canciones más aclamadas por la crítica de la historia musical “Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band”.También suenan ecos del trabajo de un excéntrico periodista y escritor, de nombre Truman Capote, que tras su novela “A sangre Fría” creará una nueva forma de hacer periodismo “non- fiction-novel”.
Asesinatos y ríos de estupefacientes corrían estos años con forma de diferentes colores, mientras unos prueban el éxito primerizo, otros mueren para crear un mito. Es el caso de una de las mejores actrices del mundo, Marilyn Monroe, su enfrentamiento con los barbitúricos acabó con su vida, o Robert F. Kennedy tras ser asesinado poco después de ganar las elecciones primarias de California.
Un grupo de sonámbulos triunfadores protagonistas de una época donde nacía un fenómeno artístico llamado Pop Art que se alimentaba de ellos, tanto en sus éxitos como en sus desgracias.
Esta corriente de arte fue un movimiento que surgió concretamente a finales de la década de los 50 en Inglaterra y EE.UU como reacción artística ante el Expresionismo Abstracto, al que consideraban vacío y elitista. Se caracteriza por el empleo de imágenes y temas tomados de una sociedad consumista y de la comunicación de masas aplicados al arte.
ArteEspaña, el portal de la historia del arte español termina describiéndolo en su dirección online, cómo un género que utiliza imágenes conocidas con un sentido diferente, es capaz de lograr una postura estética o alcanzar una postura crítica de la sociedad consumista. Así su propio nombre lo indica "ArtePopular", toma del pueblo los intereses y la temática.
Sin embargo estas líneas de reportaje se encaminan hacia un detalle concreto dentro del Por Art, a esa especie de “morbo” exaltado hacia las personas relevantes de la época, ansiadas por tener su propia visión pop. Warhol, como el propulsor de hacer protagonistas en sus creaciones a figuras como Marilyn Monroe, Jacqueline Kennedy, Grace Kelly y otros muchos más, dejando constancia de su paso por la modernidad.
Un primer paso iniciado por Warhol, que sería recordado en la historia del diseño y seguido por toda una generación de futuros artistas. Una carrera donde muchos creativos actuales continúan creando diseños a partir de estas figuras claves de la época, en cualquier tipo de formatos.
Un primer paso iniciado por Warhol, que sería recordado en la historia del diseño y seguido por toda una generación de futuros artistas. Una carrera donde muchos creativos actuales continúan creando diseños a partir de estas figuras claves de la época, en cualquier tipo de formatos.
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Ahora es el turno de la diseñadora Reik Kawakubo, directora creativa de “Comme des Garçons”, y su nueva colección de “The Beatles” que se convierte en la firma estelar de la conocida tienda de moda Santa Eulalia (Barcelona).
Con motivo del cuarenta aniversario de la última grabación de “The Beatles”, Rei Kawakubo ha querido contribuir en su filón con una especie de culto a la compañía musical “Appel Corps Ltd” lanzando esta nueva colección de gustos musicales.
En su agenda, la tienda confirma que desde el 24 de noviembre hasta el 11 de febrero, el pop up de Santa Eulalia presentará esta colección de la diseñadora japonesa, donde además incluye productos de perfumería, carteras y monederos, la clásica colección de camisetas Shirt Forever y su conocida línea Play inspirada en los corazones.
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Parte de los diseños de la colección de Rei Kawakubo
Autocad, Pincel o cámara
Buscamos el trabajo de tres jóvenes creativos que centran como clave de sus obras a iconos de la música, el cine o que fueron relevantes en una determinada época. En algunos casos se trata de personajes del pasado y en otros figuras actuales que pueden llegar a ser en un futuro esa nueva generación de iconos. Diferentes ramas del diseño y diferentes formas con las que trabajar, pero similares en la concepción de Warhol, siguen triunfando por la sencillez de su estilo y porque se adaptan al fetichismo actual.
Es el caso de Emma Barco que estudió diseño de interiores en la institución artística de enseñanza Iade. Como proyecto final de 2º curso se centró en el diseño de una vivienda de connotaciones Pop Art, una mezcla entre los inicios del Warhol y un diseño más casual entre el vanguardismo y el minimalismo.
“Mi trabajo es un ejemplo de cómo mezclando diferentes corrientes del diseño, puedes llegar a crear algo bello y no por no pertenecer a la misma familia o ser visualmente simétricos quiere decir que todos en conjunto no formen una armonía idílica”, declara Barco.
Cuadros grandes plasmados en las paredes con ilustraciones de actrices míticas en la historia del cine, como Audrey Hepburn o Marilyn Monroe se convierten en el centro de esta obra y gracias a su impactante diseño captan la atención visual, colocados estratégicamente sobre un llamativo fondo rojo.
“Más que centrarme en el Pop Art, mi trabajo capta la atracción de Warhol por plasmar el diseño en el diseño, es decir, la perfección de una actriz en un cuadro”, afirma Barco.
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| Proyecto Connotaciones Pop Art, Emma Barco |
Iade, como escuela de diseño encargada de poner en práctica a sus alumnos en la creación de diferentes zonas de una vivienda, asegura que se trata de un proyecto realizado en ACAD plano técnico y pasado posteriormente a 3DMAX para su final modelado, donde los alumnos podían escoger libremente el tema y habitaciones que querían diseñar. En el caso de Emma Barco su proyecto se centró en el moldeado del dormitorio, el salón y el despacho.
Ahora toma el relevo Miguel García, el cual ha creado una obra basada en cuadros pintados a mano llamada “The Music Collection” donde retrata figuras consolidadas en la música actual, con un diseño peculiar y personal, cambiando los iconos del pasado por los presentes, para convertirlos en los protagonistas centrales de la obra de este joven artista.
Este es el vivo ejemplo que después de muchos años, desde que Warhol iniciara su obra, se continúan llevando al diseño figuras reconocidas por la sociedad.
“Tengo una nueva colección en mente, como una segunda parte de “The Music Collection” sobre actores y actrices caracterizados por los personajes a quienes interpretaron, pero aun está en proceso de cuajar”, comentaba García.
Desde otra perspectiva nos topamos con Danniel rojas, profesional de la fotografía por el cual han pasado numerosas promesas de la canción o el cine actual. Normalmente sus trabajos se publican en blogs/webs de moda y revistas, aunque próximamente asegura que le gustaría tener una exposición física en una galería con un par de proyectos que tiene en mente.
Más que centrarse en las ramas propias del Pop Art para crear sus sesiones de fotos, Danniel Rojas se caracteriza por hacer protagonista en sus trabajos a conocidos del momento mediáticamente. “Son cosas totalmente diferentes, si tuviera que hacer alguna sesión basada en este estilo sería complicado no caer en lo obvio ya que tiene unos patrones estéticos muy concretos, pero se podría llegar a pintar a la modelo directamente y no tener que usar postproducción”, destacaba Rojas.
Vega (Cantante)
Ana Fernández ( Actriz)
Niccó (Cantante)
En el corto camino recorrido por su temprana edad, este joven artista del flash ha fotografiado a personas como: Màxim Huertas, Ainhoa Arbizu, Alicia Sanz, Ana Fernández, Mario Jefferson, Niccó, Elisa Mouliaá, Lucia Ramos, Fran Dieli, Vega…
Cuando se trabaja con gente popular, muchas veces la imagen de un artista está relacionada con una especie de musa concreta, una fuente de inspiración que en muchos casos se convierte en parte central de su obra.¿Quién no recuerda a Gala como el epicentro de las obras de Dalí?“Podría decir que tengo más de una, pero siempre hay una persona que te sabe captar más”, aclaraba Rojas.
Making of Danniel Rojas,sesión fotos Vega para la revista B-Side magazine, noviembre
El Warhol del siglo XXI a 3D
Making of Danniel Rojas, sesión fotos Ainhoa Arbizu para la revista popme Magazine, enero
Making of Danniel Rojas,sesión fotos Vega para la revista B-Side magazine, noviembre
Conflictos en el arte, gran número de obras individuales, difícil personalización, la clave termina siendo la distinción. Presentamos una obra que da una vuelta de tuerca al dibujo convencional, aportando su propio diseño y forma de ver la realidad. Es el secreto de sobresalir del resto, ser diferentes, raros, asombrar al público con algo nuevo, pero siempre con gusto y criterio estilístico, algo presente en esta colección que recibe el nombre de“The Music Collection”.
| Parte de la colección "The Music Collection" de Miguel García |
P. ¿Por qué hacer una colección con artistas de hoy, que tienen ellos que no tengan las recurridas figuras del pasado que tanto han sido utilizadas en el diseño?
R. El artista de hoy es el que me ha inspirado a lo largo de mis vivencias. Siempre relaciono etapas de mi vida con determinados discos, y escuchar esa música es como un viaje en el tiempo de mis recuerdos. Es por ello que decidí homenajear a esos artistas “de hoy” que son banda sonora de mi vida.
R. El artista de hoy es el que me ha inspirado a lo largo de mis vivencias. Siempre relaciono etapas de mi vida con determinados discos, y escuchar esa música es como un viaje en el tiempo de mis recuerdos. Es por ello que decidí homenajear a esos artistas “de hoy” que son banda sonora de mi vida.
P. ¿Las figuras elegidas para ser representadas en tu colección han sido escogidas por criterios personales o tienen algún otro significado por el que forman parte de la exposición?
R. En general, la mayoría tienen que ver con etapas de mi vida. Hay otros artistas más nuevos como Lady Gaga, a los que homenajeo por lo que representan en la música actual. También incluí un retrato de Amy Winehouse que no estaba previsto en la colección, pero el cual decidí que era un must después de su muerte.
P. ¿La alteración en el rostro de los personajes, es sólo estético como una huella de personalidad que te diferencia del resto de creativos o representa algo más, un significado concreto en la colección?
R. Creo que todos vemos a la gente de forma distinta y que una misma persona puede ser vista de distintas maneras para una misma persona. El cubismo permite a un cuadro de dos dimensiones mostrar más ángulos, y en mi caso lo expongo como una manera de mostrar más información del cantante.
P. ¿Por qué crees que el diseño inspirado en estos iconos del pasado siempre es buen reclamo para los consumidores y nunca pasa de moda, piensas que en cierto modo muchos diseñadores han dejado de hacer ideas creativas y se han centrado en esto?¿ No crees que ya está algo pasado de moda?
R. El Pop Art en sí sigue vendiendo porque hay mucha gente que no se educa en cuanto a arte y porque es lo único que conocen. Pero hoy en día el abanico de producto es muy extenso, sin embargo la gente seguirá comprando cuadros en Ikea que ni si quiera están pintados. Son impresiones gigantes (lo que no quito mérito) pero de las cuales se hacen miles i miles de copias, con lo que sí discrepo. Muchas veces me han pedido un cuadro que ya tenía vendido, y me he negado a hacer una réplica del mismo, porque me gusta ofrecer a mis clientes exclusividad. Una idea plasmada una sola vez, para un solo cliente. Creo que mantener tus principios te hará ser alguien en este mundo, aunque a voz de pronto no te haga ganar tanto dinero como los que se dejan llevar por lo fácil y lo colectivo.
P. ¿Cómo has dado a conocer tu exposición al público?
R. La colección de música estuvo expuesta en un local de Diego de León (Madrid) y la de los gatos en una tienda del centro de Madrid. La colección 13VR tiene carta verde para ser expuesta en Tabacalera pero está en negociaciones con una galería privada, por lo que no puedo confirmar nada aún. Tengo una exposición que se inaugura este Diciembre en Toledo. Esto es todo lo que puedo decir por ahora. Hay más proyectos pero hasta que no estén cerrados, prefiero no mencionarlos.
P. ¿Algún proyecto nuevo en mente?
R. Después de la gran acogida de mi colección 13VR (una colección dedicada a una ruptura amorosa, más realista en cuanto a formas y más abstracta en cuanto a significados, y con la característica de los blancos y negros con toques de rojo sangre) estoy trabajando en 3D@S, una colección que se despega un poco del negro que predominaba para dar paso a cuadros algo más blancos y presentando un nuevo color, un verde botella que representa la esperanza. Las colecciones que expresan sentimientos personales tienen cuadros mucho más interesantes de analizar y el impacto visual es mayor, todo y que un gran público rehúye la frialdad con la que plasmo determinados sentimientos y se sienten más cómodos con cuadros que evocan una buena sensación como los de la colección de música “TheMusic Collection” o la recién estrenada colección de felinos “TheCats Collection” .
También estoy trabajando en “Fucking memories”, que da un breve repaso a ese pasado que nos hace más fuertes pero que sigue estando ahí. Esta colección es la más personal de todas y la más íntima, tanto que ninguno de ellos tendrá título pues no quiero dar ninguna información adicional al espectador a parte de lo que pueda plasmar con pinceles. De nuevo en esta volveré a los negros blancos y rojos.
El Negocio del Pop Art en la red
¿Qué ocurre cuando se pretende traspasar las barreras de espacio y tiempo en el arte, con el objetivo de poder acercar el arte y la artesanía a toda la comunidad de usuarios de internet? El resultado es que se produce una novedad de concepto en el Pop Art que radica en la manera de venderlo, aprovechando las nuevas tecnologías que nos brinda la red. Existe una oportunidad debido a una necesidad insatisfecha en un mercado “comercio online”, que tiene perspectivas de un alto crecimiento en los próximos años.
Un ejemplo de los pocos tipos de demanda de este estilo que encontramos en nuestro país es el distribuidor online PopArtPaint,un negocio en la red que surgió como proyecto de crear una tienda online para vender objetos artísticos realizados a mano y ofrecer encargos a medida, todo ello de estilo Pop Art. La creadora de este negocio online, Susana Blanco, define este arte como el más comercial que ha existido y sigue existiendo. Por esta razón tenían una profunda convicción de que este producto era vendible y tendría éxito.
“Surge la idea tras haber comprobado el vacío existente de este tipo de negocio online.Sólo existían productos realizados por ordenador con estilo Pop Art pero muy pocos ofrecían cuadros realizados a mano. Además contaba con muchos clientes de diversos países y me pareció una manera de llegar a ellos con más facilidad “, destacaba Blanco.
Un ejemplo de los pocos tipos de demanda de este estilo que encontramos en nuestro país es el distribuidor online PopArtPaint,un negocio en la red que surgió como proyecto de crear una tienda online para vender objetos artísticos realizados a mano y ofrecer encargos a medida, todo ello de estilo Pop Art. La creadora de este negocio online, Susana Blanco, define este arte como el más comercial que ha existido y sigue existiendo. Por esta razón tenían una profunda convicción de que este producto era vendible y tendría éxito.
“Surge la idea tras haber comprobado el vacío existente de este tipo de negocio online.Sólo existían productos realizados por ordenador con estilo Pop Art pero muy pocos ofrecían cuadros realizados a mano. Además contaba con muchos clientes de diversos países y me pareció una manera de llegar a ellos con más facilidad “, destacaba Blanco.
Pero en la red también encontramos otro negocio que toca este tipo de diseño, hablamos de las agencias publicitarias, concretamente de la Agencia de Creatividad y Diseño Publicitario DobleClic . A diferencia de otros casos en la publicidad es más difícil tratar únicamente con el Pop Art en sus contenidos.
“Nosotros transmitimos ideas, si la idea se entiende mejor de ese modo lo haremos con Pop Art y si no, no lo haremos. Simplemente se trata de un estilo más del diseño el cual nos traslada a un estilo de vida y a una época. Es un modo de expresión, una forma.”, aseguraba José Rivera, director creativo de la agencia de publicidad Dobleclic.
Batería Pop
Queda claro que esta corriente sigue teniendo éxito desde su aparición, en medida gracias a la comunicación de masas y a la propaganda que se ha generado en los medios online, que ha permitido su mantenimiento y contribución a su no extinción.
Pero la intervención de diferentes artistas en este campo ha ayudado a que cada uno contribuya con su propia visión y argumentación del concepto. Como cierre, diferentes profesionales que han tratado con este movimiento y que hemos recogido su trabajo a lo largo del reportaje nos cuentan su primera impresión cuando escuchan Pop Art.
“Es una moda, quizás en estos años ha llegado a su máximo esplendor con la sobreexplotación de la figura de Warhol y la obra de su discípulo David Lachapelle, pero cuando Hamilton o Paolozzi comenzaron a hacer collages con este estilo su valor de mercado y de imagen demasiado transgresor para la sociedad del momento. El arte es un ser vivo, tiene que desarrollarse, hacerse adulto y en muchas ocasiones corromperse y venderse”, destacaba Javier Rivera
“Lo primero que se me viene en mente es el retrato de Marilyn Monroe que tengo en mi cuarto por Andy Warhol”, destaca Daniel Rojas.
“Como dice la palabra traducida: Arte para el pueblo. Me encanta la idea del acceso al Arte para todo tipo de público y dejar de lado el elitismo al que estamos acostumbrados. También me viene a la cabeza el capitalismo de esta época... eso no me gusta tanto pero es la realidad en la vivimos y no hay que negarla. ¿A quién no le gusta vivir del Arte?”, afirma Susana Blanco.
“Andy Warhol, un grande en la pintura donde la importancia la tienen los colores atractivos a la vista. El pop art retrata la cultura del momento sobretodo del cine y la música, así que se podría incluir mi colección en este estilo, aunque no me gusta encasillarme y me gusta explorar nuevas técnicas y arrastrar conmigo lo que me resulta interesante de cada una de ellas”, aclaraba Miguel García.
Diferentes visiones, caminos y orientaciones de un mismo concepto, donde para algunos es arte, para otros se trata de la explotación en la imagen de un personaje pero que en el fondo termina siendo una especie de frustración continua por no saber el por qué exacto de algo, y eso es arte, aquello inexplicable, polémico, y que no puede dar una solución exacta sin albergar consecuencias. Arte que se va trasmitiendo a nuevas generaciones encargadas de coger el relevo y continuar con un hiperactivo sistema de aprendizaje que se reinventa continuamente.
Un repotaje de Alfonso Gómez Jiménez
